En este blog...

...Conocerás las biografías de los artistas y descubrirás datos curiosos que esconden las obras.
Apreciarás cómo el conocimiento de ciertos aspectos teóricos facilitan la interpretación de una obra.
Podrás relacionar la pintura con la música y la poesía, la expresión plástica y la escritura personal: todas actividades que te ayudarán a percibir con claridad lo que sientes y así desarrollar tu inteligencia emocional.
Entonces, comprenderás por experiencia propia, que además de talento, el arte es oficio, y que se aprende permanentemente.
¡Te invito a recorrerlo!

viernes, 31 de marzo de 2017

Policromo once. Obra de Alexander Calder.

  Andy Warhol (1928-1987)

Actualmente, los móviles colgantes se fabrican en serie y se venden en tiendas de todo el mundo. Sin embargo, en 1930, surgieron como idea totalmente nueva. En su empeño por crear una escultura que se moviera sin necesidad de maquinaria, el artista Alexander Calder concibió el primer móvil colgante.

Al viento

Este móvil es una obra colgante diseñada para moverse con el aire. Se compone de unas ramas móviles que culminan en figuras metálicas. Aunque las ramas pesan bastante, están compensadas para que la brisa más ligera active su movimiento.

Calder dijo en una ocación: "La mayoría de la gente que contempla un móvil no ve más que una serie de objetos planos que se mueven; sin embargo, para unos pocos, un móvil es como una poesía".

El artista: Calder

Alexander Calder nació en Estados Unidos en 1898, en el seno de una familia de artistas. A la temprana edad de ocho años, creó su propio taller, en el que construía animales diminutos de latón que se movían. Aunque estudió la carrera de ingeniería, prevaleció su inclinación artística.

Sus móviles son sus obras más famosas, aunque también llevó a cabo otras esculturas estáticas, que él denominaba "estables".

Móvil colgante

Alexander Calder creó unos móviles gigantescos con alambre y acero pintado.  Te enseñamos a fabricar una versión en miniatura con cartulina y escobillas limpiapipas.

1) Dobla seis escobillas de distintas longitudes y arquéalas. 

2) Dobla uno de los extremos de una escobilla en forma de aro. Ensarta otra escobilla por el aro.

3) Conecta otras cinco escobillas del mismo modo. Cuando llegues a la última no dobles los extremos.

4) Dobla un trozo de cartulina por la mitad. Traza una figura curvilínea y recórtala por las dos capas.

5) Pega las figuras con cinta adhesiva a los extremos libres de las escobillas y después pega sus parejas sobre ellas.

6) Ata un cordel a la escobilla de arriba y cuelga el móvil. Arquea las escobillas hasta que queden en equilibrio.

 

 

miércoles, 29 de marzo de 2017

Fundación Forner-Bigatti.

La casa taller Forner-Bigatti, proyectada por el arquitecto Alejo Martinez en el año 1937, combina la vivienda y los talleres de trabajo de la pintora Raquel Forner y el escultor Alfredo Bigatti, dos reconocidos artistas argentinos. La misma se encuentra localizada en el barrio de San Telmo, Buenos Aires, en un pequeño terreno frente a la hoy denominada plaza Coronel Dorrego, en el número 443 de la calle Bethlem.

En la época en la que se proyectó esta casa-taller, fueron muy frecuentes los edificios caracterizados por combinar las viviendas de los artistas con sus respectivos talleres y lugares de trabajo. Durante esos mismos años, por ejemplo, se concibieron en Buenos Aires los atelieres de Suipacha y Paraguay, proyectados por Antonio Bonet, Vera Barros y López Chas. Diferenciándose de otros casos, la casa Forner-Bigatti presenta la particularidad de combinar ateliers independientes, pertenecientes a dos artistas dedicados a especialidades diferentes (una pintora y un escultor). En el mismo, en lugar de constituir una única unidad espacial indiferenciada, donde el área de vivienda y los espacios de trabajo se fundiesen sin distinciones, se decidió resolver el programa mediante una planta compacta en el que se diferencian radicalmente los espacios privados de la vivienda de aquellos destinados a las actividades artísticas.

 

MACBA

http://www.macba.com.ar/

Xul Solar.

http://www.xulsolar.org.ar/

Xul Solar, Alejandro (Schulz Solari, Oscar Agustín Alejandro)

Buenos Aires, 1887 – 1963 Pintor y dibujante argentino.


Tras cambiar su apellido germano italiano Schulz Solari por el de Xul Solar se inicia en la pintura de manera autodidacta. Entre 1912 y 1915 se hace marino y viaja por el Mediterráneo. En 1917 se instala en Milán junto con su amigo, el pintor cubista Pettoruti y celebra su primera exposición tres años después. Durante esta época trabaja en pequeño formato, sobre todo al temple y la acuarela, interesándose también por el arte conceptual y dando primacía a los aspectos rituales y simbólicos. En 1924 regresa a Buenos Aires uniéndose al grupo de artistas reunidos por la revista Martín Fierro, a los que liga un ardiente nacionalismo. Su obra se caracteriza por intentar construir un lenguaje universal e intemporal que integrase la realidad visual con el mundo de la imaginación. En sus obras se distinguen tres etapas: de 1917 a 1930 se sirve de formas de tendencia geométrica que acompaña de números, letras o palabras que explican el tema del cuadro como en Jefe de dragones. Entre 1930 y 1960, abundan los temas arquitectónicos y topográficos con un colorido monocromático, centrándose a partir de 1960, en el alfabeto con el que construye dibujos decorativos en los que vuelve al color de su primera etapa, tal y como se observa en Letras de molde silábicas (1960), etapa que recuerda en ocasiones a Paul Klee . Personaje extravagante e inclasificable, admirado por Borges, extiende la creación artistas a todas las esferas de la vida y se interesa por la astrología, el misticismo, la lingüística o la música, llegando incluso a inventar nuevos idiomas como la panlengua y el neocriollo o juegos como el Panjuego. Su obra ha sido objeto de importantes retrospectivas como la del Museo de Bellas Artes de Buenos Aires (1964), que ejerció una enorme influencia sobre los artistas jóvenes argentinos, y la del MNCARS de Madrid (2002).

 

Alexander Calder

http://www.calder.org/

Alexander Calder

(Filadelfia, Estados Unidos, 1898 - Nueva York, 1976) Escultor estadounidense. Nació en el seno de una familia de artistas, pero no se sintió inclinado inicialmente hacia el arte y cursó estudios de ingeniería mecánica, que más adelante le fueron de gran utilidad. Hasta 1923 no se matriculó en una escuela de arte, en la que comenzó haciendo esbozos rápidos de viandantes.

Son los móviles las creaciones que elevaron a Calder a las más altas cimas de la escultura moderna. Con ellos se propuso crear obras abstractas dotadas de movimiento, que reflejaran, gracias a su dinamismo, los efectos cambiantes de la luz. 

 Estirniq: El Jugar de ALEXANDER CALDER

Realizó móviles de muy distintos tamaños, algunos gigantescos, en los que se sirvió de piezas coloreadas de latón de formas abstractas, unidas por alambres o por cuerdas; suspendidos por lo general del techo, a consecuencia de su poco peso eran fácilmente movidos por el aire.  

Con estas obras, fue el primero en incorporar el movimiento a la obra de arte y se convirtió en el precursor del arte cinético. 

 

Milo Lockett, Artista Visual.

  Milo Lockett es un artista plástico autodidacta, que comenzó su carrera luego de trabajar varios años en la industria textil.
De nacionalidad argentina, nacido el 1 de Diciembre de 1967, vive y trabaja en Resistencia, Chaco su ciudad natal en donde logró crear en poco tiempo, una identidad pictórica que lo convirtió en un éxito de ventas sin precedentes.
Milo Lockett dona anualmente un promedio de 40 obras para subastas a beneficio del Hospital Pediátrico de Resistencia, trabajo realizado con adolescentes dentro de un proyecto de prevención de HIV - Cruz Roja Argentina. Además, ha colaborado para UNICEF en el proyecto “Un Minuto por mis Derechos” en el 7º Encuentro de Niños y Jóvenes escultores bajo el tema “Los Monstruos de Berni y Juanito Laguna”. Ha realizado talleres masivos de pintura al aire libre en el Festival de la Triple Frontera, Paraguay, Brasil y Argentina, Chaco, Jujuy, Corrientes, Misiones, Santa Fe y Buenos Aires.
Trabaja con nenes wichís, colabora con Red Solidaria y ayuda a construir una Casa Garrahan en su provincia, Chaco.

miércoles, 8 de marzo de 2017

Música y pintura para niños.

 Obras de arte relacionadas con la música.

Episodio Música y Pintura para niñoshttps://www.allegromagico.com/musica-y-pintura-para-ninos/

Historia 1: El Impresionismo

Claude Debussy

 

Pensar con Arte.

 Chagall, Lissitzky, Malévitch

¿Qué ves aquí?  Describimos el cuadro

(personajes, lugar, hora, situación...)

¿A qué huele?

¿Qué se oye aquí?

¿A qué sabe la escena?

¿Qué tacto tiene? ¿Qué textura nos sugiere?

¿Qué emociones me transmite?

¿Qué historia nos cuenta este cuadro?

¿Qué título te sugiere?

 

 

 


martes, 7 de marzo de 2017

El cumpleaños (1915). Marc Chagall.

  

 

Este cuadro que hoy compartimos se llama Cumpleaños y fue pintado por Chagall en 1915, poco antes de su casamiento con Bella, su gran musa, como una forma de expresar que los amantes pueden llevar su felicidad por los aires: si hasta dan ganas de salir volando con ellos.

lunes, 6 de marzo de 2017

Erik Satie. “gnossienne”

Las Gnossiennes son una serie de obras para piano creadas por el compositor francés Erik Satie a finales del siglo XIX. Estas piezas junto a Trois sarabandes y las Gymnopédies suelen clasificarse como danzas. Las Gnossiennes tienen un carácter melancólico. La palabra “gnossienne” describe varias piezas de la música de piano compuesta por Erik Satie que no encajan en ninguno de los estilos actuales de música clásica como un preludio para piano o una sonata. Satie solucionó fácilmente este dilema simplemente titulando a las piezas con una palabra completamente nueva e inventada, en este caso “gnossienne”. Aunque la etimología y la pronunciación de la palabra “gnossienne” inventada por Satie siguen siendo un misterio para muchos, lo que está claro es que sus seis gnossiennes son maravillosamente únicos e intrigantes. 

Círculos de manos en barro. Obra de Richard Long creada en 1989.

 CíRCuLoS De MaNoSUna de las formas de expresión artística más antiguas y sencillas consiste en estampar las huellas de las manos, algo que ya se hacía en la prehistoria. Esta enorme pintura contemporánea se compone de cientos de huellas de manos que forman círculos perfectos.

Hundido en el fango

El artista, Richard Long, creó esta obra tras un paseo por el río Avon, en Inglaterra. Por el camino fue recogiendo cubos de barro que luego usó para hacer grandes círculos estampando las manos en un muro encalado. Los círculos eran tan grandes que tuvo que subirse a una escalera para acabarlo.

El artista: Long

Richard Long nació en Inglaterra en 1945. Son muy conocidas sus obras de arte inspiradas en paseos por la naturaleza, incluso por regiones como el Ártico o el Himalaya. En ocasiones, el paseo en sí mismo se convierte en obra artística: otras veces, Long reúne durante el mismo los materiales que va a emplear.

Círculos de manos.

Richard Long creó sus círculos de manos en un muro. Como probablemente no te esté  permitido pintar en las paredes, a ver cómo crear estos círculos en cartulina.

1) Marca el contorno de un plato grande con lápiz sobre una cartulina. Pon pintura líquida en un plato viejo.

2) Moja la palma de la mano en la pintura y estámpala en la cartulina pegando la muñeca al círculo.

3) Pon pintura de otros colores en más platos viejos y estampa la mano siguiendo todo el círculo.

4) Haz ahora otro círculo de manos dentro del círculo, sin que toque el círculo de afuera.

http://www.richardlong.org/

 

domingo, 5 de marzo de 2017

Mi sueño, Emily Kame Kngwarreye.

 Heroínas: Emily Kame Kngwarreye artista australiana

¿Cuánto puede incluir un artista en una pintura? Todo, dice Emily Kame Kngwarreye. Todo.

Es 1989 y ella tiene 78 años de edad. Quizás 81. No está segura. ¿Importa? No todo se puede medir en años. No cabe el tiempo, todo el tiempo, desde el principio de los tiempos. En los libros de geografía no se pueden encontrar el lugar del que proceden los espíritus de la edad dorada del pasado, del Dreamtime australiano, antes del principio, ni el lugar en el que están ahora. Deja tu mapa a un lado, repleto de pequeñas líneas rojas y amarillas, que muestran los caminos, y los puntos oscuros que representan los pueblos. 

Tu mapa te ha traído aquí, a través del desierto del Oeste, en el centro de Australia. Has conducido hacia el norte, desde Alice Springs hasta una zona denominada Utopía, para encontrarte con Emily Kame Kngwarreye. Ella vive en un pequeño asentamiento, entre sus familiares, su clan.

No muy lejos viven otros clanes de anmatyerre, en sus propios asentamientos. Este es su país. Hubo una época en la que los granjeros blancos, con su ganado, deseaban hacerse con el lugar. Sin embargo, se trata de una tierra seca y dura, donde en ocaciones no llueve durante años. La mayoría de los granjeros, con sus animales, se han marchado.

Los anmatyerre saben cómo sobrevivir en este lugar. Saben dónde crecen las plantas que proporcionan alimentos y cómo hallar raíces de ñames bajo el suelo. Cuando llueve, florecen las plantas ntange. Si se recolectan las pequeñas semillas, se pueden moler entre las piedras. Su jugo es una buena bebida. Con la pulpa se pueden hacer pastelitos para celebrar la llegada de las lluvias.

Los espíritus del Dreamtime dieron forma a estas tierras. Conformaron la uturupa, la gran colina arenosa que proporcionó su nombre a Utopía, y crearon las plantas y el suelo en el que estas crecen.

Emily sumerge sus dedos en la pintura y se inclina hacia adelante. Con las yemas, pinta pequeños puntos sobre el lienzo que ha extendido frente a ella. Conforme avanza los puntos se van multiplicando, como estrellas que aparecen en el cielo nocturno o el polen que vuela desde las flores. Estos puntos de color son flores y semillas de las ntange, que conforman un dibujo de líneas ramificadas que Emily ya ha pintado, y que se asemejan a las que se dibujan sobre los cuerpos de los bailarines para la ceremonia de la lluvia. Todo ocurre con rapidez. Ella pinta como si explicara una historia con sus dedos o con el trazo de líneas y puntos sobre un mapa misterioso. Bajo la sombra de estos árboles cubiertos de maleza, la pintura húmeda se seca con rapidez al calor del desierto.

Emily Kngwarreye painting 'Yam Awelye', 1995. – Delmore Gallery

A menudo la gente viaja hasta Utopía desde Alice Springs, con la esperanza de comprar pinturas de Emily. En las galerías de arte de las ciudades, sus obras alcanzan precios elevados. Cuando Emily va a verlas, colgadas bajo los focos, parecen estar lejos de casa, del lugar en el que ella las pinta, con brillantes colores que contrastan con el suelo rojo del desierto a la sombra azul de los árboles.

This Record-Breaking Aboriginal Artwork Just Sold for $2.1 Million -  Concrete Playground | Concrete Playground Sydney

Ha alcanzado la fama. Sus pinturas han ganado premios. Ella comparte el dinero que gana con el clan. Después de todo, las historias y los dibujos que pinta Emily son también sus historias y sus dibujos. Todos comparten las tierras en las que crecen las ntange, así como las semillas que son aptas para su consumo.

Emily Kame Kngwarreye no empezó a pintar hasta que ella sobrepasó los 70 años. Antes de ello, del mismo modo que muchas mujeres de su clan se ocupaba de colorear tejidos, del batik. Ayudó a crear el Grupo de Batik para mujeres. Sin embargo, el batik es un trabajo duro, sobre todo cuando te haces mayor. Primero se hacen dibujos sobre seda con cera. Es entonces cuando se tiñe la seda. Las partes que no tienen cera absorben los colores. A continuación, se hierve la seda para que la cera se funda. Por último, hay que eliminar los restos de cera del tejido. ¡Un trabajo duro! Las pinturas no necesitan hervirse ni limpiarse. Permite concentrarse en los dibujos y en los colores. Además, poco después de aplicar la pintura acrílica sobre el lienzo, esta se seca.

Quizá sea una buena idea que la gente de las ciudades disfrute contemplando las obras de Emily en las blancas paredes de las galerías. Si les gustan las pinturas, ¿realmente importa la razón que les lleva a disfrutar de ellas? La gente nunca escarbará ni cavará el suelo rojo para encontrar raícesde ñames ni semillas de ntange, ni pintará dibujos en sus cuerpos para bailar para los espíritus que consiguen que las plantas ntange florezcan.

Emily decide llamar a su obra El sueño ntange. Es una forma de dar las gracias a los espíritus del Dreamtime, que han dado forma a la tierra y que la cuidan siempre. O sencillamente es un hermoso dibujo colgado en una pared blanca. Depende de quien seas y de donde estés. Esto es lo que ella considera.

Si pudieras quedarte aquí, en Utopía, encontrarías a Emily mañana, en el mismo lugar, empezando una nueva pintura. Pero es hora de marchar. La noche cae con rapidez en el desierto. De repente, la temperatura desciende. En el cielo, claro y profundo, empiezan a aparecer las estrellas: primero una; después, tres o cuatro y, finalmente, todas.


 

sábado, 4 de marzo de 2017

Artista: Oswaldo Guayasamín (1919-1999)

 Gaceta Literaria de Santa Fe

Nació en Quito, Ecuador, el 6 de julio de 1919. Hijo de padre indio y madre mestiza, antecedente familiar que luego plasmó en sus obras. Es considerado uno de los más destacados indigenistas de la pintura ecuatoriana.

Su obra refleja el dolor y la miseria en que vive la mayor parte de la humanidad y denunció la violencia que sufre el ser humano del siglo XX: guerras, genocidios, dictaduras, torturas, campos de concentración, entre otros.

Su obra se basa en la protesta, la denuncia social y en la defensa de los derechos humanos.

Retrató a varios personajes notables del mundo, entre quienes podemos nombrar a Fidel Castro, al Rey Juan Carlos, Fracois y Danielle Mitterand, etc.

Guayasamín pintó varias series con diferentes temáticas:

Huaycañan (en Quichua significa "camino del llanto"): está compuesta por un mural y ciento tres cuadros realizados entre 1946 y 1952. Es una visión de las etnias del mestizaje americano, los indios y los negros, con sus respectivas culturas, expresión de sus emociones, tradiciones y religión.

La era de la ira: pintada entre 1961 y 1999, conformada por ciento cincuenta cuadros. Dentro de esta serie hay colecciones en torno de la misma temática: Las Manos (doce óleos), Mujeres Llorando (siete óleos), La Espera (once óleos). En Los Mutilados, de la serie La Edad de la Ternura, encontramos el homenaje a su madre y, en general, a todas las madres, como defensa de la vida.

El grito nº 3 (1983) Oswaldo Guayasamin"El grito Nº 3" 1983

Guayasamín y el abrazo. - 3 minutos de arteserie "Maternidad"

viernes, 3 de marzo de 2017

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nutricioncreativa | Frases de arte, Arte de picasso, Producción artística 

Hablar del arte y hacer arte es el desafio de crear. Vivir la vida, en verdad vivirla, nos pide traer todos los ingredientes de nuestro interior, despertarlos o despertarnos, para no olvidar que hemos sido artistas desde siempre.

Polichinela con guiterra. Obra de Pablo Picasso realizada en 1920.


 Punchinello with guitar, 1920, Pablo Picasso | Arte de picasso, Producción  artística, Cubismo de picasso 

Este colorido cuadro muestra un payaso con un holgado traje blanco y un sombrero de punta que entra en el escenario acompañado de una guitarra. El payaso no está representado de un modo realista; se ha creado a partir de figuras geométricas. El título hace referencia al nombre del protagonista, un personaje típico de las representaciones de títeres llamado Polichinela.

De payasada en payasada

A Picasso, el creador de esta obra, le encantaban los payasos y el circo. Según sus amigos, acudía a funciones todas las semanas y conocía personalmente a varios artistas. Muchos de sus cuadros están protagonizados por personajes circenses, sobre todo acróbatas y payasos.

El artista: Picasso.

Pablo Ruiz Picasso nació en España en 1881. Antes de aprender a hablar ya dibujaba, y su padre, que era profesor de dibujo y pintura, fomentó el cultivo de este don en su hijo. A lo largo de su vida, Picasso creó más de veinte mil obras de arte y llegó a convertirse en uno de los artistas más famosos del planeta. Hoy en día existen varios museos dedicados a su obra. 

Collage de malabarista

Picasso realizó decenas de cuadros de artistas de circo y, además, inventó la técnica del collage pegando diversos materiales a sus pinturas. Te enseñamos a crear un collage con telas y papeles.

1) Pinta un escenario con su telón en papel de dibujo y déjalo secar.

2) Recorta en papel o tela el semicírculo de la cabeza y la figura y la figura irregular del cuerpo.

3) Recorta los cuatros triángulos de los brazos y las piernas y los cuatro de los pies y las manos.

4) Haz el cuello del traje en forma de media nube (como arriba) y el sombrero con un semicírculo y un triángulo.

5) Coloca sobre el escenario todos los recortes que has hecho y después fijalos conun poco de pegamento.

6) Completa la escena con más recortes: por ejemplo , unas pelotas de malabares.

Añade detalles a rotulador.

jueves, 2 de marzo de 2017

La importancia del arte para los niños.

 

El arte desarrolla la creatividad de los niños y les aporta múltiples beneficios.

El arte para los niños es una forma de expresarse y de experimentar.

La creatividad es muy importante para su desarrollo, les ayuda a pensar  y estimula su autoestima.

La imaginación s su mayor aliada para desarrollar su creatividad y a edades tempranas no tiene limites.

Cualquier cosa que se les pase por la cabeza es útil para el descubrimiento y para su libertad expresiva.

La expresión artística tiene muchos beneficios para los niños.

Su práctica estimula ambos lados del cerebro.

Se ha demostrado que se desenvuelven mejor en el aprendizaje de otras materias.

Les sirve para enfrentarse a diversas problemáticas en su desarrollo perceptivo y emocional.