Rufino Tamayo - Documental

Carpani para niños.

 Desocupados 1959

Ricardo Carpani nació el 11 de febrero de 1930 en la localidad de Tigre, provincia de Buenos Aires, murió el 9 de septiembre de 1997 en Buenos Aires.

Comenzó los estudios de abogado pero los abandonó cuando en 1951 decidió radicarse en París, en la ciudad francesa comenzó a interesarse seriamente en la pintura, tomando cursos que luego continuó en Buenos Aires.
Vivió dos años en la capital francesa, a su regreso dedicó un tiempo a viajar por Chile y el interior de nuestro país. Una vez asentado en Buenos Aires retomó los estudios de pintura, esta vez con el maestro Emilio Pettoruti.
Expuso por primera vez en 1957 junto a Juan Manuel Sanchez (1930) y Mario Mollari (1930).
Su compromiso con la causa de los trabajadores lo expresó en obras como “Huelga” de 1958, en tanto que en 1961 realizó un mural para el sindicato de la Alimentación al que tituló: “Trabajo. Solidaridad.  

El grupo Espartaco

En 1959 conformó el Grupo Espartaco junto a Sanchez y Mollari, a los que se les sumaron Juana Elena Diz (1925), Raul Lara Torrez(1940) joven pintor de nacionalidad boliviana, Pascual Di Bianco (1930-1978), Carlos Sessano (1935), Esperilio Bute(1931-2003) y Franco Venturi, nacido en 1937 y desaparecido en 1976.  

 Fundan el "Movimiento Espartaco" en base al manifiesto por un arte revolucionarioen América Latina, que publicaran en la revista "Política" en 1958.

El nombre "Espartaco" está tomado de la novela de Howard Fast, cuyo protagonista lucha por la liberación de los gladiadores esclavizados. Con este grupo realizarán varias muestras y conferencias hasta el año 1961.

Cuando se separa del movimiento espartaco y publica el libro "Arte y Revolución en América Latina"

       

Señalaba el documento inicial del Grupo Espartaco: “Es evidente que en nuestro país, a excepción de algunos valores aislados, no ha surgido hasta el momento una expresión plástica trascendente, definitoria de nuestra personalidad como pueblo. Los artistas no podemos permanecer indiferentes ante este hecho, y se nos presenta con carácter imperativo la necesidad de llevar adelante un profundo estudio del origen de esta frustración.” 

 

 

Pablo Picasso. Pinta El Guernica en 1937.

 

 

Soy Pablo Ruiz Picasso, el gran pintor del siglo XX. Posiblemente algunos ne conoceréis por mi jersey  de rayas azules y mi cabeza calva. Pero pinté miles de cuadros que hoy en día se pueden encontrar en todo el mundo.

¿Queréis saber cómo llegué a ser un gran pintor? Leed con atención.

Nací en Málaga el 25 de octubre de 1881. Mi familia no tenía demasiado dinero, pero a pesar de eso tuve una infancia muy feliz, rodeado siempre de tías y primas que cuidaban de mí y de mi hermana Lola, tres años menor que yo.

Crecí rodeado de pinceles y pinturas, ya que mi padre, José Ruiz Blasco, era pintor y profesor de dibujo. Mi madre, María Picasso López, era alegre y optimista y siempre tuvo una gran confianza en mis aptitudes. Ya de pequeño me decía "Si te haces soldado, llegarás a general, si te haces cura llegarás a papa". Yo quería ser pintor y... ¡He  llegado a Picasso!

Como a todos los niñes, me gustaba jugar, pero lo que más me divertía era dibujar y pintar. Ya de muy pequeño demostré una gran capacidad de observación. Un día tomé las tijeras de bordar de mi madre y recorté la silueta de una paloma. Lo hice tan bien que todos se quedaron boquiabiertos con aquella figura.

Y bajo las órdenes de mi padre, yo aprendía a dibujar. Sólo tenía ocho años cuando hice mi primer cuadro: El pequeño picador. 

Seguir leyendo: Descubriendo el mágico mundo de Picasso (María J. Jordá)

Etepas pictóricas 

La vida de Picasso, como hombre y como artista, está marcada por su voluntad de vivir intensamente. La necesidad de crear y transmitir lo llevó a experimentar con muchos estilos:

Años jóvenes, (1895-1901)

Formado básicamente en Barcelona (España), pasa de tener un estilo puramente académico a experimentar con el EXPRESIONISMO. Pinta retratos y escenas de la calle. Obras de esta época:    Ciencia y caridad, 1897.         Margot. 1901

         

Época Azul, (1901-1904)

En esta época predominan los tonos azules y pinta exclusivamente la vida de los marginados de la sociedad, pobres, enfermos, ancianos... Obras de esta época: 

La vida, 1903.                  Los pobres a orillas del mar, 1903. 

                

Época Rosa, (1904-1906)

Predominan las tonalidades rojas y rosas y los protagonistas de sus cuadros son ahora arlequines, acróbatas y malabaristas. Obras de esta época: 

Chico con pipa, 1905.                      Los dos hermanos, 1906.

                 
     

Época Cubista, (1907-1916)

El movimiento cubista representó una revolución en el arte del s.XX. Fue una etapa muy productiva en la que Picasso pintó mayoritariamente retratos, instrumentos musicales y naturalezas muertas. Obras de esta época. 

Autorretrato, 1907.                     Panes y frutero encima de una mesa, 1908/1909.

 

                    
  

Época neoclásica, (1916-1924)

Vuelve a un estilo más convencional, más clásico sin abandonar del todo el cubismo. Es una época de contrastes. Estos años suponen una ruptura respecto a la tendencia vanguardista que siempre tuvo su obra. Obras de esta época: 

Las bañistas, 1918.                                                 Arlequín con espejo, 1923.

                
 

 

 

 Época Surrealista, (1924-1931)

Picasso se introduce en el mundo del SURREALISMO. Hace unas deformaciones monstruosas de los personajes de sus cuadros. Obras de esta época: 

Bañistas en la playa, 1928.                                               La crucifixión, 1930.

           

Estilo Picasso, (1931-1973)

A partir de la década de 1930, la obra de Picasso está caracterizada por una serie de temas: la guerra y la paz, los toros, las palomas, el Mediterráneo, la mitología, la familia, sus amigos y él mismo. Cada una de las obras que realiza tiene su propio estilo.

En cada una de sus etapas, Picasso expresa lo que siente y utiliza el arte para comunicar y concienciar a la sociedad de los problemas que nos rodean. Obras de esta época:

Retrato de Dora Maar, 1937.       La bahía de Cannes, 1958.

                
    

GUERNICA, 1937

Óleo sobre tela (349,3 x 776,6 cm) Museo Centro de Arte Reina Sofía Madrid (España)

 

*¿Qué colores utilizó al pintar este cuadro? Negro, gris y blanco. Eran los colores de las imágenes que me llegaban a través de los periódicos.*En este inmenso cuadro aparecen nueve figuras y la representación simbólica de Dios: un gran ojo divino con una bombilla como pupila ¿Sabrías encontrarla?¿Ves el toro? ¿Y el caballo? Estos dos animales los había pintado en muchas de mis obras anteriores.  El toro representa el sufrimiento del pueblo, mientras que el caballo enloquecido simboliza el horror fascita.*Justo en medio de estos dos animales, aparece la silueta de una paloma herida: representa la paz rota.*En primer plano y estirado en el suelo, aparece el cuerpo de un soldado muerto. ¿Qué sujeta con la mano? Una espada rota.*A la derecha del cuadro, vemos a una mujer con los brazos hacia arriba como si quisiera impedir la caída de las bombas. Detrás de ella, se ve un edificio en llamas.*En medio de este horror hay un elemento que contrasta con tanto dolor, ¿Sabrías encontrarlo? Por encima de la espada del soldado brota una flor de líneas muy suaves, símbolo de la esperanza.   

Feliz Cumple Raquel Forner. 22 de abril de 1902.

 

 

 

Fue una pintora, escultora y profesora de dibujo argentina. Perteneciente al Grupo de París, ganó muchos premios entre ellos la medalla de oro en la Exposición Internacional de París en 1987. En el trayecto de su vida artística evoluciona de un naturalismo a un expresionismo muy personal. Raquel Forner fue considerada una destacada emergente que surgió de un grupo de artistas y escritores que fue conocido como el Grupo Florida, denominado así porque se reunían en la Confitería Richmond, y que incluyó escritores como Victoria Ocampo.

A partir de los años ’60 su mirada se orienta hacia el tema del espacio, cruzando los límites de lo previsible. Los recursos plásticos se transforman al contacto con nuevas poéticas. El color, más saturado y con contrastante, tiene un rol más protagónico; las formas pierden sus contornos neutros y son más abiertas; aparece una valoración de la “mancha” dentro de un espacio que no abandona nunca el lenguaje simbólico.

Feliz Cumple Jorge de la Vega. 27 de marzo de 1930.

Quién fue Jorge de la Vega, el artista detrás de la obra.

 

 

De la Vega antes de artista fue arquitecto y su aproximación a las artes visuales se produjo como miembro de la Nueva figuración con Rómulo Macció, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y, fugazmente, Enrique Sobisch.

Así, a fines de los '60 formó parte de otro movimiento, el de la Nueva Canción, que también integraron Nacha Guevara, Marikena Monti y Jorge Schussheim. En 1968, tradujo a la música sus poesías surrealistas en el disco El gusanito en persona para el cual también diseñó el arte de tapa.

 

GUILLERMO ROUX en este capítulo de Arte Vivo 🎨

LUIS FELIPE "YUYO" NOÉ es Arte Vivo 🎨