Pintor, diseñador, dibujante de cómics… trabaja en todo tipo de soportes
y disciplinas artísticas: diseño gráfico, paisajismo, pintura,
escultura, Ilustración, animación, diseño de producto, diseño de
interiores, multimedia; sin dejar de traicionar nunca su identidad de
dibujante.
Dediqué la mitad de mi vida a ser saxofonista y a la par siempre hice cosas con las manos, desde chico trabajaba el alambre y dibujaba. Toqué el saxo durante 20 años en la Mississippi Blues Band y luego fui y soy parte de Babel Orkesta, una compañía músico teatral.
Me encantaba y aun me encanta, ir a los museos. Me sigo sorprendiendo con mis artistas favoritos. Antonio Berni, sobre todo, es mi inspiración.
También me interesan los trabajos de Diana Aisenberg, León Ferrari, Gyula Kosiche y otros artistas del Movimiento Madí, del ceramista Leo Tavella y el arte cinético de Julio Le Parc.
El arte en cualquiera de sus variantes es una forma de vivir, de existir. Es parte de una filosofía vital.
Me formé en los talleres de los maestros Antonio Pujía, Pablo Amoedo, Omar Gasparini, Victor Chab, Diana Aissember, Jorge Argento, Jorge Sarrible, Gustavo Charif, León Ferrari y también en el Instituto Municipal de Cerámica de Avellaneda “Emilio Villafañe”.
Cada vez que me pongo a trabajar, imagino que es posible otorgar una nueva vida a un objeto marginado, resignificar su permanencia entre nosotros, evitar que siga su camino al basural. Por eso, acumulo estos tesoros relegados y al utilizarlos es como si hallara en ellos una esperanza.
Cada obra comienza mucho antes del momento de su realización, cuando recorro mis ferias preferidas, donde tengo mis “dealers” de objetos, que me guardan lo que piensan me pueda interesar, ojos de muñecas, lupas, marcos de portarretratos, zapatitos antiguos de niños, etc..
Fragmentos de maderas, marcos de cuadros antiguos, herrajes sofisticados, discos telefónicos, timbres de hotel y trozos de afiches publicitarios son el punto de partida de mis universos plástico – poéticos.
Realicé y realizo numerosas exposiciones individuales y colectivas en Buenos Aires y en el interior y exterior del país. También realizo talleres de reciclaje en el arte plástico.
Desde 1996 hasta hoy no dejo de generar espacios y maneras de mostrar mi trabajo.
En este contexto de pandemia, tengo mi galería en mi casa /taller. Construí una galería a puertas cerradas.
El tema que trata es la vida cotidiana, que estuvo inmersa desde su infancia en el mercado de La Merced, donde seguramente probó las formas, los colores y los sabores de la fruta y sobre todo de la sandía, de tan lozana textura y colorido más se percibe como naturaleza viva de soberbia calidad pictórica.
La obra que no muere ni en el tiempo ni en el espacio, como lo mencionó André Breton, brota del cuadro una frescura ingenua de tan directa. En una búsqueda que nos lleva a la naturaleza sagrada, el dibujo queda sublimado ante el color que hace de sus repetidas formas cualidades emotivas.
La pintura de Tamayo tiene una religiosidad que permanece velada por la razón y la sensibilidad que no atiende a las exigencias del pensamiento contemporáneo. También Tamayo considera que su pintura es realista porque las formas de los objetos que representa son concretos y también porque plasma las angustias y las alegrías del momento.
Todo en esta obra es instinto y sensualidad puesto que está íntimamente ligada a la materia y hace de nuestro tacto y los demás sentidos una invitación al goce estético. Esta obra atrae y mantiene a distancia al espectador que además provoca algo así como un apetito visual, como nos lo hace saber Octavio Paz.
Cada elemento del cuadro es un fruto terso y palpable de colores y formas que se extienden en un espacio, pero ese espacio está vivo y nos representa frutos en un frutero y sobre una mesa y dos botellas de vino junto a una copa que nos embriaga de contemplación sublime. En esta pintura se somete el objeto por sus propiedades plásticas: su relación entre colores, líneas y volúmenes de afinidad natural, y las riquezas luminosas de su obra.
Ricardo Carpani nació el 11 de febrero de 1930 en la localidad de Tigre, provincia de Buenos Aires, murió el 9 de septiembre de 1997 en Buenos Aires.
Comenzó
los estudios de abogado pero los abandonó cuando en 1951 decidió
radicarse en París, en la ciudad francesa comenzó a interesarse
seriamente en la pintura, tomando cursos que luego continuó en Buenos
Aires.
Vivió dos años en la capital francesa, a su regreso dedicó un tiempo
a viajar por Chile y el interior de nuestro país. Una vez asentado en
Buenos Aires retomó los estudios de pintura, esta vez con el maestro
Emilio Pettoruti.
Expuso por primera vez en 1957 junto a Juan Manuel Sanchez (1930) y Mario Mollari (1930).
Su compromiso con la causa de los trabajadores lo expresó en obras
como “Huelga” de 1958, en tanto que en 1961 realizó un mural para el
sindicato de la Alimentación al que tituló: “Trabajo. Solidaridad.
El grupo Espartaco
En
1959 conformó el Grupo Espartaco junto a Sanchez y Mollari, a los que
se les sumaron Juana Elena Diz (1925), Raul Lara Torrez(1940) joven
pintor de nacionalidad boliviana, Pascual Di Bianco (1930-1978), Carlos
Sessano (1935), Esperilio Bute(1931-2003) y Franco Venturi, nacido en
1937 y desaparecido en 1976.
Fundan el "Movimiento Espartaco" en base al manifiesto por un arte revolucionarioen América Latina, que publicaran en la revista "Política" en 1958.
El nombre "Espartaco" está tomado de la novela de Howard Fast, cuyo protagonista lucha por la liberación de los gladiadores esclavizados. Con este grupo realizarán varias muestras y conferencias hasta el año 1961.
Cuando se separa del movimiento espartaco y publica el libro "Arte y Revolución en América Latina"
Señalaba el documento inicial del Grupo Espartaco: “Es evidente que en nuestro país, a excepción de algunos valores aislados, no ha surgido hasta el momento una expresión plástica trascendente, definitoria de nuestra personalidad como pueblo. Los artistas no podemos permanecer indiferentes ante este hecho, y se nos presenta con carácter imperativo la necesidad de llevar adelante un profundo estudio del origen de esta frustración.”
Soy Pablo Ruiz Picasso, el gran pintor del siglo XX. Posiblemente algunos ne conoceréis por mi jersey de rayas azules y mi cabeza calva. Pero pinté miles de cuadros que hoy en día se pueden encontrar en todo el mundo.
¿Queréis saber cómo llegué a ser un gran pintor? Leed con atención.
Nací en Málaga el 25 de octubre de 1881. Mi familia no tenía demasiado dinero, pero a pesar de eso tuve una infancia muy feliz, rodeado siempre de tías y primas que cuidaban de mí y de mi hermana Lola, tres años menor que yo.
Crecí rodeado de pinceles y pinturas, ya que mi padre, José Ruiz Blasco, era pintor y profesor de dibujo. Mi madre, María Picasso López, era alegre y optimista y siempre tuvo una gran confianza en mis aptitudes. Ya de pequeño me decía "Si te haces soldado, llegarás a general, si te haces cura llegarás a papa". Yo quería ser pintor y... ¡He llegado a Picasso!
Como a todos los niñes, me gustaba jugar, pero lo que más me divertía era dibujar y pintar. Ya de muy pequeño demostré una gran capacidad de observación. Un día tomé las tijeras de bordar de mi madre y recorté la silueta de una paloma. Lo hice tan bien que todos se quedaron boquiabiertos con aquella figura.
Y bajo las órdenes de mi padre, yo aprendía a dibujar. Sólo tenía ocho años cuando hice mi primer cuadro: El pequeño picador.
Seguir leyendo: Descubriendo el mágico mundo de Picasso (María J. Jordá)
Etepas pictóricas
La vida de Picasso, como hombre y como artista, está marcada por su voluntad de vivir intensamente. La necesidad de crear y transmitir lo llevó a experimentar con muchos estilos:
Años jóvenes, (1895-1901)
Formado básicamente en Barcelona (España), pasa de tener un estilo puramente académico a experimentar con el EXPRESIONISMO. Pinta retratos y escenas de la calle. Obras de esta época: Ciencia y caridad, 1897. Margot. 1901
Época Azul, (1901-1904)
En esta época predominan los tonos azules y pinta exclusivamente la vida de los marginados de la sociedad, pobres, enfermos, ancianos... Obras de esta época:
La vida, 1903. Los pobres a orillas del mar, 1903.
Época Rosa, (1904-1906)
Predominan las tonalidades rojas y rosas y los protagonistas de sus cuadros son ahora arlequines, acróbatas y malabaristas. Obras de esta época:
Chico con pipa, 1905. Los dos hermanos, 1906.
Época Cubista, (1907-1916)
El movimiento cubista representó una revolución en el arte del s.XX. Fue una etapa muy productiva en la que Picasso pintó mayoritariamente retratos, instrumentos musicales y naturalezas muertas. Obras de esta época.
Autorretrato, 1907. Panes y frutero encima de una mesa, 1908/1909.
Época neoclásica, (1916-1924)
Vuelve a un estilo más convencional, más clásico sin abandonar del todo el cubismo. Es una época de contrastes. Estos años suponen una ruptura respecto a la tendencia vanguardista que siempre tuvo su obra. Obras de esta época:
Las bañistas, 1918. Arlequín con espejo, 1923.
Época Surrealista, (1924-1931)
Picasso se introduce en el mundo del SURREALISMO. Hace unas deformaciones monstruosas de los personajes de sus cuadros. Obras de esta época:
Bañistas en la playa, 1928. La crucifixión, 1930.
Estilo Picasso, (1931-1973)
A partir de la década de 1930, la obra de Picasso está caracterizada por una serie de temas: la guerra y la paz, los toros, las palomas, el Mediterráneo, la mitología, la familia, sus amigos y él mismo. Cada una de las obras que realiza tiene su propio estilo.
En cada una de sus etapas, Picasso expresa lo que siente y utiliza el arte para comunicar y concienciar a la sociedad de los problemas que nos rodean. Obras de esta época:
Retrato de Dora Maar, 1937. La bahía de Cannes, 1958.
GUERNICA, 1937
Óleo sobre tela (349,3 x 776,6 cm) Museo Centro de Arte Reina Sofía Madrid (España)
*¿Qué colores utilizó al pintar este cuadro? Negro, gris y blanco. Eran los colores de las imágenes que me llegaban a través de los periódicos.*En este inmenso cuadro aparecen nueve figuras y la representación simbólica de Dios: un gran ojo divino con una bombilla como pupila ¿Sabrías encontrarla?¿Ves el toro? ¿Y el caballo? Estos dos animales los había pintado en muchas de mis obras anteriores. El toro representa el sufrimiento del pueblo, mientras que el caballo enloquecido simboliza el horror fascita.*Justo en medio de estos dos animales, aparece la silueta de una paloma herida: representa la paz rota.*En primer plano y estirado en el suelo, aparece el cuerpo de un soldado muerto. ¿Qué sujeta con la mano? Una espada rota.*A la derecha del cuadro, vemos a una mujer con los brazos hacia arriba como si quisiera impedir la caída de las bombas. Detrás de ella, se ve un edificio en llamas.*En medio de este horror hay un elemento que contrasta con tanto dolor, ¿Sabrías encontrarlo? Por encima de la espada del soldado brota una flor de líneas muy suaves, símbolo de la esperanza.
